Cloud Adobe : j’ai craqué !

Eh oui! Après plusieurs années de résistance, j’ai craqué. Je viens de m’abonner au Creative Cloud Photo d’Adobe, schéma que je considère toujours comme de l’extorsion de fonds, et qui a décuplé les profits d’Adobe depuis qu’il existe.

Mais aussi, que voulez-vous? si seulement les autres éditeurs proposaient des alternatives vraiment crédibles, nous n’hésiterions pas à les rejoindre… mais je dois dire, à mon grand regret, et en dépit de tout ce que l’on peut lire çà et là (et que j’ai lu aussi), que ce n’est pas le cas.

Pourtant, j’ai tenté de résister, j’ai fait tout ce que j’ai pu : d’abord, j’ai conservé mon vieux Photoshop (version CS 5.1) pendant des années. Il fait, et fait encore, substantiellement tout ce dont j’ai besoin en tant que photographe. Ensuite, lorsqu’il n’a plus été capable de développer les fichiers RAW de mes appareils récents, je suis passé sur Lightroom: encore un nouveau logiciel à appendre, oui, mais cela valait la peine puisqu’au moins celui-là, Adobe nous promettait qu’il serait toujours disponible en version standalone, juré-craché, croix de bois, croix de fer, si je mens je vais en enfer.

Devinez quoi? Pas besoin de leur retenir une place au Paradis!

Car bien sûr, cette promesse-là, elle aussi, n’engageait que les gogos (comme moi) qui y ont cru : Lightroom, comme les autres applications Adobe, ne sera bientôt plus disponible que sur abonnement, passée l’actuelle version 6.11 ou 6.12 qu’on nous a octroyée comme si on nous faisait une grâce.

Face à cette tromperie bien digne de nos politiciens, j’ai décidé de passer à la concurrence, et j’ai acheté une licence (à vie, celle-là) du logiciel Affinity Photo de l’éditeur britannique Sérif, logiciel qui, à en croire les éloges qu’on lui tressait sur le web, faisait tout ce que fait Lightroom, et tout ce que fait Photoshop, ou peu s’en fallait.

J’y ai cru, et même si Affinity Photo est un très bon produit, j’ai été déçu. Il lui manque la maturité, les petits côtés astucieux et pratiques que seules des années de développement permettent d’offrir. Ce sera un concurrent sérieux dans l’avenir, si les développeurs continuent sur leur belle lancée, mais pour le moment, ce n’est tout de même pas la même chose que Lightroom et Photoshop.

Je ne donnerai que deux exemples qui me viennent à l’esprit: lorsque vous entrez dans le module logiciel qui permet de redresser des verticales convergentes, ou de corriger de la distorsion, Ligthroom comme Photoshop affiche immédiatement une grille de guides verticaux et horizontaux, afin de vous fournir des repères visuels indispensables. Affinity, non, même pas en option. Et lorsque vous développez un fichier RAW qui fait partie d’une série, il vous arrive de vouloir appliquer à toutes les photos de la série les mêmes réglages que ceux que vous venez d’utiliser pour la première. Lightroom fait cela très bien, Affinity ne le permet pas.

J’ai tenté de «recopier» dans Affinity les réglages et les raccourcis clavier que j’utilisais dans Photoshop, et je dois dire que, dans une large mesure, j’y suis arrivé. Mais il en manquait quand même certains, et la fluidité des algorithmes, la progressivité des traitements, me semblait nettement en dessous de ce que permettent les logiciels d’Adobe. Pour tout dire, j’étais moins satisfait, au bout de deux mois d’utilisation, de la qualité des images obtenues.

C’est pourquoi, à ma grande honte, j’ai craqué ce matin et téléchargé les versions Creative Cloud de Lightroom et de Photoshop, bien que j’avais juré que jamais je ne céderais à cet odieux chantage de l’abonnement.

Cette promesse-là aussi n’engageait que ceux qui y ont cru, il faut croire…

 

Et voilà...! Je ne peux pas dire que je suis ravi...

Wacom tablet: good or not good for photo editing?

Convinced by the many demos I had seen on Youtube, I acquired a year ago aWacom Intuos Pro tablet, in the “medium” size (the Special Edition type with the brushed aluminum panels on the top and bottom, very good looking). It is a very nice object, which works well. The radio receiver accepted to be plugged into an available USB port on the side of the Eizo monitor, and did not require to be plugged directly into the computer, which was also good news, as it is getting pretty crowded back there, with all the other devices that fight for USB real estate...

The tablet and the pen are fully customizable, probably beyond the needs of any normal photographer —it would probably be different for a graphics designer or digital painter, for example. Using the pen and the tablet in general is easier than I thought, the “absolute positioning” of the pen (as opposed to the “relative positioning” of the mouse) did not pose any major problem and the possibility to work wirelessly (and, therefore, to rest the tablet on your lap, for instance) is quite nice.

However —and here we come to the crux of things— I must admit that I did not find that using the tablet increased my productivity, nor did I find that it gave me more control or more precision when using the tools in Lightroom or Photoshop.

Let me state this in a more detailed manner: if I were an unconditional user of the mouse, if I used always and only the mouse, and therefore if I had to travel across the big 24-inch monitor all the way to the menu bar up there every time I needed to accomplish any action, or all the way to the left to the toolbar to grab this tool or that, then I would probably save time by using the tablet, as the absolute positioning of the pen makes it travel instantly across the screen. Furthermore, getting better used to using the pen would probably end up giving me at least the same degree of control over the pointer as I now have with my top-of-the-line, super-precise laser mouse (Logitech MX Master running on a smooth Lucrin Swiss leather pad), and maybe more.

However, I am not that kind of computer user. I know how much time is wasted on bringing the mouse/pointer to where it needs to go to effect any given action, and if there is a keyboard shortcut to implement it, I'd rather learn and use that shortcut —and, in the case of Photoshop, customize my own shortcuts to better suit my style and the tools I use (like me, you probably only use a fraction of all the tools and functions Photoshop offers). Therefore, I rarely use the mouse for anything else than to draw. So, in this “actions” department, the tablet is no improvement; in fact, it slows me down considerably when compared to using keyboard shortcuts.

And coming to actual drawing, I find that the pen in my hand is not really more precise than when my mouse is guiding the pointer. Maybe that would change if I got really used to using the pen, but I have grown so accustomed to “drawing” with a mouse for so many years now, that it has really become very natural for me. So, no improvement in that area either. The only sector in which I can see the pen helping me better than the mouse is when cropping out part of a photograph. Then, it is probably more natural to use a pen with the Pen tool than to use the mouse... but I so rarely have to do this that I wonder if it is worth owning a Wacom tablet!

I'll be interested to hear your thoughts... Do you use a Wacom (or other) tablet? Do you know of any photographer who does?

What works well for me in Affinity Photo, what is still lacking with respect to Photoshop

Upon buying my Nikon D850 a few days ago, I had decided to fully switch over to Affinity, as I was son angered by Adobe’s reneging on their promise that Lightroom would remain “indefinitely” available as a standalone application —and I wrote about this move on this blog, however that article is in French.

However, no matter how hard I worked to customize Affinity’s shortcuts to duplicate as closely as possible my Lightroom/Photoshop workflow, I am still missing some features, which are key for me, although they may not be for other people.

The Develop module (or “persona”, as they call it a bit pompously) works fine, and I managed to customize it so that it works almost like Lightroom. And it reads the RAW files from the D850, which is more than my before-last version of Lightroom can do.

The big thing that is missing vis-à-vis Lightroom is the ability to import a series of pictures, easily navigate through them, process one and subsequently apply to all the same settings. Maybe all this can indeed be done in Affinity, but how is not so far quite obvious to me. And that’s a big waste of time.

The other big thing that it still missing is a decent library of lens profiles that could be applied automatically if the user so chooses. In Develop, you have to do everything manually, and some commands, such as Chromatic Aberration, take ages to execute, at least on the very large files produced by the D850.

There are other poorly designed things, such as when you correct for converging vertical or general orientation under the “Lens” tab: why don’t the guidelines show automatically as in Lightroom (I did select “Overlay: Thirds Grid”, but nothing appeared), and why don’t you have the option to “Constrain crop” if you desire, so that you may choose to see no white space appearing around the corrected picture? This is easy to implement, and its absence is irritating.

However, things get worse when I get into the Photo modu… I mean, “persona”. Even though I also did here a lot of Photoshop-look alike customization work, the buttons and controls are still laid out ever so differently, so that it becomes irritating to click on the wrong one out of habit, or wasting time looking for another. I know this is probably all a question of time and getting new habits carved in, but it is still a pain in the neck.

I also have no simple and easy way in Affinity to place a thin black border around my photos once I’m done, and there is no function that does what “Save for Web and devices…” does in Photoshop. Plus, resizing the brush on the fly is really less easy with so many keys to press at the same time. Once again, my things, my workflow, other people may well feel different.

Therefore, I have decided to adopt a mixed approach: I will use the Develop module of Affinity, since I was no other equivalent option at this time and it works quite well. I will, at the end of this phase, obtain a TIFF file which I will then drop into Photoshop for the editing per se.

It will be a little more cumbersome as Affinity and Photoshop are not integrated to work together as well as Lightroom and Photoshop, but it’s such a big relief to have all my favorite features at my fingertips again, that I will gladly suffer the little extra cumbersomeness.

J’abandonne Lightroom (et bientôt Photoshop) au profit d’Affinity

Il y a quelques années, les fabricants de pneumatiques ont réussi un coup marketing de génie en inventant le pneu hiver : alors qu'auparavant tout le monde roulait avec des pneus “normaux”, et des chaînes ou des pneus spéciaux en montagne, du jour au lendemain, ils ont potentiellement doublé leur chiffre d’affaires (huit pneus par véhicule au lieu de quatre), ou en tous cas considérablement élargi leur marché potentiel en culpabilisant les automobilistes pour les convaincre d’acheter les nouveaux “pneus hiver”. Quelle trouvaille!

Et à quand les “pneus printemps” et les “pneus automne”? Ne riez pas, cela arrivera sûrement, aussi sûrement qu'on roule encore maintenant à 90 sur route normale, dans pas longtemps sans doute à 80, et qu'on roulait en ville à 60, aujourd'hui à 50, voire le plus souvent à 30, quand ce n'est pas à 20... Il ne leur reste plus guère que “10”, et après on ira à reculons!

Les éditeurs de logiciels se sont longtemps creusé la cervelle à la recherche, eux aussi, de ce genre d’eldorado… et ils l’ont trouvé avec l’émergence du soi-disant « cloud », c’est-à-dire tout simplement qu’au lieu de vous vendre leurs programmes sur des CD ou des DVD dans de jolies boîtes cartonnées remplies de volumineux manuels qui coûtent des sous à imprimer, ils se les sont gardés sur leurs propres serveurs et ont commencé à nous vendre le droit de les utiliser en nous connectant à leurs serveurs via internet, par abonnement mensuel.

Que d’économies sur leurs coûts de production ! Et surtout, quel moyen idéal pour piéger et emprisonner le gogo —pardon, le client, que de l’abonner à un produit ? Car, si le gogo client en question arrête son abonnement, eh bien, il ne peut tout simplement plus travailler sur ses documents anciens, ni en créer de nouveaux… Donc, une fois hameçonné, il est quasiment impossible pour lui de s’en sortir! Génial! Le “client captif” dans la plus pure acception du terme!

Au temps des licences perpétuelles, quand on achetait le logiciel sur DVD à la FNAC ou ailleurs, on le possédait pour la vie… Certes, peut-être pas dans la toute dernière version, car les mises à jour elles aussi avaient un prix, mais au moins dans une certaine version… Avec l’abonnement, vous n’avez plus rien. Si on parle de Photoshop, non seulement vous ne pouvez plus traiter vos photos, mais vous ne pouvez même plus ouvrir les fichiers de vos anciennes photos, si vous n’avez pas pris la précaution de les sauvegarder dans un format compréhensible par d’autres logiciels… Tous vos fichiers .psd sont en effet devenus illisibles.

Grâce à ce stratagème, qui vaut largement celui des pneus hiver, Adobe a considérablement accru ses revenus au cours des cinq ou six dernières années.

Personnellement, je n’ai jamais accepté de me faire traire de cette manière, et j’en suis donc resté, en ce qui concerne Photoshop, à la version dite « Creative Suite 5.1 »… mai se posait le problème du développement des RAW, puisque le moteur de développement contenu dans cette version de Photoshop était périmé et ne me permettait plus d’ouvrir les RAW de mes nouveau boîtiers, en particulier le Nikon D810. J’ai donc dû me rabattre sur un autre logiciel d’Adobe, Lightroom, que j’ai dû ajouter à ma collection et apprendre, et qui permet de développer les RAW avec la même aisance que le module CameraRAW de Photoshop.

J’ai fonctionné ainsi depuis trois ans, et j’ai été rassuré lorsqu’Adobe a annoncé, il y a un peu plus d’un an, que nonobstant le succès phénoménal de leur formule d’abonnement, Lightroom resterait «indéfiniment» disponible selon la formule «licence perpétuelle ».

C’est bien connu en politique : les promesses n’engagent que ceux qui sont assez bêtes pour y croire, et Adobe a menti à toute la communauté de ses utilisateurs, puisqu’il a été annoncé cet automne (2017) que la version 6.17 serait la dernière fournie en «licence perpétuelle». Pour bénéficier des versions suivantes, il faudra, vous l’avez deviné, souscrire un abonnement !

Face à cette déception et à cette promesse brisée par une société que je considérais comme honorable et respectable, et qui n’est finalement qu’une boîte de vendus, j’ai décidé de passer chez l’éditeur britannique Sérif, qui édite notamment le logiciel Affinity Photo, déjà très complet et puissant, qui fait la plupart des choses que font Lightroom ET Photoshop. Je pensais acheter cependant cette toute dernière version standalone de Lightroom, la 6.17 qui vient de sortir, mais en dépit de mes efforts, j’ai été incapable de la trouver sur internet, tous les liens de téléchargement pointant invariablement vers la formule par abonnement.

Étant sur le point de remplacer mon D810 par un D850, je ne pourrai plus ouvrir les RAW qu’il produira avec Lightroom ; je vais donc basculer sans délai vers Affinity Photo, que j’ai acheté pour une cinquantaine d’euros en licence perpétuelle, avec toutes les mises à jour futures gratuites. Est-ce à dire que je suis devenu gogo et que je crois à cette promesse-là ? Non, bien sûr que non. J’imagine bien que Sérif pourra prendre un jour, lui aussi, la grosse tête, grisé qu’il pourrait notamment être par son succès face à Adobe, car des dizaines de milliers de photographes, dégoûtés par les pratiques de bandits de grand chemin d’Adobe, ont rejoint le camp de Sérif et d’Affinity. Mais pour le moment, tant que ça dure, profitons-en.

J’enjoins tous les photographes qui liront cet article à faire de même. Il existe maintenant sur le marché d’excellentes alternatives à Lightroom/Photoshop, souvent plus agiles et rapides, parfois même plus puissantes, et ne nécessitant quasiment aucune période d’adaptation pour un ancien utilisateur des produits d’Adobe, car même les raccourcis-clavier ont été conservés !

De l’importance de la post-production

Ce qu’on appelle « post-production », ou encore « post-traitement », c’est tout ce qui se passe après la prise de vues elle-même. Jadis, c’était le travail dans le labo-photo : développement de la pellicule, puis agrandissement et tirage, avec parfois l’étape intermédiaire et bien utile de la planche-contact qui rendait le négatif plus lisible à l’œil. Pour l’immense majorité des photographes, ces travaux ne concernaient que les films noir et blanc, le traitement des films négatifs couleur (et a fortiori des films dits « inversibles », pour diapositives) étant trop complexe, et surtout bien trop coûteux pour la plupart des non-professionnels —et même pour un bon nombre de ces derniers !

Pour ne pas trop dépayser les anciens, les geeks nos amis informaticiens ont inventé la métaphore du « labo-photo virtuel » pour qualifier les divers logiciels qui, aujourd’hui, permettent à un nombre infiniment plus grand de photographes, même amateurs, de « post-traiter » leurs photos, fussent-elles en couleur, afin de les préparer pour l’impression, voire de les imprimer eux-mêmes !

En effet, moyennant l’apprentissage de ces logiciels de post-production (dont certains sont terriblement puissants et complexes, mais d’autres beaucoup plus simples : il y en a pour tous les goûts !), nous disposons maintenant, sans devoir manipuler de produits chimiques polluants, inflammables et malodorants, sans devoir monopoliser la salle de bains en obscurcissant hermétiquement sa fenêtre, et sans devoir stocker quelque part un volumineux agrandisseur, une glaceuse, des cuves et des bacs, des tuyaux et des bouteilles —sans toutes ces contraintes, donc, nous disposons maintenant d’outils de retouche et de post-traitement largement plus nombreux, plus puissants et plus précis que ceux dont disposaient, il y a quelques décennies, les meilleurs tireurs professionnels, du haut de leurs quarante années d’expérience de la chambre noire !

Dune du delta de l’Èbre en Espagne : la colorimétrie a été travaillée en post-production
pour dramatiser l’image.

Autre exemple encore un peu plus poussé de dramatisation des couleurs et de la luminosité.

Car, et c’est probablement la première chose qu’il faut dire à l’attention des puristes qui affectent de mépriser le travail de post-production, les photographes ont toujours « travaillé » leurs images sous la lumière inactinique du labo, dans la cuve de développement ou « sous l’agrandisseur », comme l’on disait à l’époque. Les retouches au pinceau, trucages, masquages divers et variés, ont toujours été employés, y compris par les champions de l’instantané-vérité ou de l’instant décisif, comme les historiens de la photographie l’ont montré depuis que la disparition de ces grands maîtres a permis de faire la lumière (sans jeu de mots) sur les méthodes qu’ils employaient véritablement.

Donc, n’ayons pas, au nom de je ne sais quel tabou, peur de post-traiter nos photos. Certes, tout doit être aussi parfait que possible dès la prise de vues, et d’ailleurs certaines erreurs ne se rattrapent pas, même avec la dernière version de Photoshop. Mais cela étant, ne pensons pas que ce serait « mal » de post-traiter, ni que ce serait nécessairement la marque d’un manque de maîtrise de la « vraie » photo (celle qu’on pratique appareil en main) au bénéfice de la « fausse » (celle que l’on met en œuvre à l’ordinateur). Bien souvent, ce mépris affiché par certains vis-à-vis de la post-production est tout simplement la conséquence du fait qu’ils maîtrisent mal les outils que l’informatique met à notre disposition, et qu’en les ostracisant, ils espèrent que leurs propres lacunes seront moins criantes.

Il est aussi possible de «truquer» (même si je réprouve le côté méprisant du terme)
à la prise de vue: ici, cette photo prise sous bois en plein jour a été dramatisée
par une sous-exposition, donnant l’impression d’une photo prise de nuit.

Car il est vrai que, qui dit nouveaux outils, dit apprentissage, et même un double apprentissage. D’abord apprentissage de l’utilisation même du logiciel, ce qui n’est pas évident, et suppose en plus que l’on sache déjà bien utiliser un ordinateur et que l’on maîtrise, entre autres, les bonnes procédures sécurisées qui éviteront que l’on endommage ou que l’on efface par mégarde une ou plusieurs photos que l’on souhaitait conserver. De plus, la plupart des techniques qui permettent, à partir d’une excellente prise de vue, d’obtenir une image remarquable, sont des techniques assez sophistiquées, relativement complexes et que la simple maîtrise des fonctionnalités de base du logiciel ne nous permettra pas encore d’atteindre. Bien sûr, ces fonctionnalités de base suffiront à l’immense majorité des preneurs d’images-souvenir, mais celles et ceux qui voudront aller plus loin ne pourront pas s’en contenter.

Ensuite et surtout, outre cet apprentissage purement technique de l’outil, il en est un autre plus long et bien plus important que j’appellerai l’apprentissage « artistique ». Ce n’est pas parce qu’on nous met entre les mains le burin qu’a utilisé Michel-Ange et qu’on nous apprend à le manipuler, que nous serons capables de produire la Pietà… ou, si vous préférez, qu’on nous mette entre les mains la machine à écrire d’Hemingway ne nous rendra pas pour autant capables de produire ipso facto un chef-d’œuvre tel que L’adieu aux armes… Maîtriser techniquement un outil puissant ne nous instille pas le bon goût, la mesure, le sens artistique, la créativité. Et de même que la publication assistée par ordinateur a ôté bien des travaux des mains des maquettistes, des compositeurs et des imprimeurs professionnels expérimentés et compétents, pour les mettre dans celles d’amateurs qui pensaient qu’ils l’étaient, avec les résultats affligeants qu’on constate aujourd’hui sur bien des travaux imprimés, de même voyons-nous nombre d’horreurs sortir des mains des photographes qui s’improvisent tireurs ou retoucheurs, et cèdent à la tentation, à la facilité quelque peu racoleuse de « pousser trop loin les curseurs » du logiciel, sans que leur éducation artistique (inexistante) ne leur crie qu’ils sont en train d’en faire trop.

Trois exemples de photos dont l’ambiance a été altérée par le post-traitement :
pour cette vieille cabine téléphonique anglaise, il s’agissait d’accentuer l’impression de ruine, de décrépitude...

... Pour ce vieux DC-3, de mettre en valeur la fragilité de la machine face à l’orage menaçant...

... Et pour ce superbe voilier classique, de souligner la finesse de ses lignes
dans une ambiance alliant coups de soleil et prémices de tempête.

 Un des exemples (mais ce n’est qu’un exemple) de ces excès est la technique dite HDR (high dynamic range, ou dynamique étendue), qui est à la bonne photo ce que la télé-réalité est à la bonne fiction télévisée : d’un côté Les rois maudits ou Inspecteur Morse (ou, pour les plus modernes, Sherlock), de l’autre Le loft ou Koh-Lanta. Au départ, une bonne idée pratiquée depuis bien avant le numérique, mais rendue infiniment plus facile d’accès par lui : le bracketing, c’est-à-dire le fait de prendre plusieurs photos du même sujet, à quelques fractions de seconde d’intervalle, mis avec des réglages d’exposition différents, afin de pouvoir ensuite combiner ces différentes images pour ne retenir qu’une partie de chacune d’elle. L’idée étant de présenter une photo « lisible », même s’il existe de très grandes différences d’éclairement entre les parties les plus sombres et les parties les plus claires, des différences telles que même un appareil moderne ne pourra les représenter toutes ensemble, et que même avec la plus grande habileté du monde, on sera forcé de choisir entre surexposer une partie, ou sous-exposer une autre partie… d’où l’intérêt de prendre plusieurs photos, certaines avec les parties claires bien exposées et les parties sombres complètement sous-exposées, d’autres avec ces parties sombres bien exposées, quitte à « brûler » complètement les parties plus éclairées. Ensuite, l’on combine pour garder le meilleur des parties claires avec le meilleur des parties sombres, augmentant ainsi artificiellement la dynamique reproduite sur la photo.

En théorie, c’est une excellente idée, et en pratique, cette idée fonctionne très bien… à condition de la pratiquer de façon mesurée, et malheureusement, dans l’esprit de la plupart des photographes de fraîche date qui pensent déjà tout savoir, cette notion de mesure passe rapidement à la poubelle pour aboutir à des photos où l’on voit tout, où plus rien n’est suggéré ni laissé à l’imagination, des photos sans noirs et sans contraste, où tout est plus ou moins uniformément éclairé, qui n’ont plus rien à voir avec la scène reproduite et qui sont, à mon avis, d’un mauvais goût extrême. Comme je le dis souvent à ces apprentis-sorciers, « ouvrez n’importe quel numéro de National Geographic, magazine mondialement réputé depuis toujours pour la très haute qualité de son iconographie, et demandez-vous pourquoi vous n’y voyez jamais aucune photo HDR… »

Ici, le retoucheur admet avoir, pour une fois, cédé à la tentation de la facilité en faisant joujou
avec les curseurs de Photoshop... Ce qui peut être amusant pour une photo spécifique,
ne doit évidemment pas devenir une habitude !

 Le HDR et ses excès illustrent parfaitement les pièges dans lesquels le photographe débutant, qui n’a pas encore eu le temps d’accomplir son éducation artistique, va tomber par facilité et, disons-le, mauvais goût. Et comme on peut l’imaginer, de même qu’il y a des millions de personnes scotchées devant leur écran TV quand on diffuse une émission de télé-réalité, de même, vous l’imaginez, les gens sont nombreux à être époustouflés par le HDR, et ne se rendent même pas compte de la facilité de l’effet.

Panem et circenses ont toujours existé, me dira-t-on, et lorsque la mode du HDR aura passé, une autre lui succédera. Sans doute, mais ce n’est pas une raison pour ne pas dénoncer la facilité criarde lorsqu’elle commence à se faire un peu trop présente, et surtout le HDR est un prétexte idéal pour rappeler à mes confrères (et –sœurs !) photographes que, plus les outils de retouche modernes sont puissants, plus il faut les manier avec modération car il est facile de tomber dans l’outrance. Les quelques photos qui illustrent cet article ont été « sur-traitées » à dessein pour produire des effets ou traduire des ambiances particulières et exceptionnelles ; de telles pratiques ne doivent pas, à mon sens, devenir systématiques, car alors on sombrerait dans le caricatural.

En bref, et sauf à rechercher ponctuellement un effet outrancier pour un cliché particulier qui le requiert, la bonne retouche est exactement ce qu’elle était déjà il y a des décennies : celle qui rend la photo meilleure, tout en se ne voyant pas. Tout comme le bon photographe de rue est, comme le rappelait Cartier-Bresson, celui qui se fond dans l'ambiance et que l’on ne remarque pas, la bonne retouche est celle qui donne à la photo cette atmosphère indéfinissable, dont on ne sait pas d’où elle vient, sans pour autant pouvoir soupçonner la présence d’une retouche puisque, de toute évidence, la photo n’a pas été retouchée... sauf qu’elle l’a été quand même!

La retouche a consisté ici à saturer un peu les couleurs des roches de la falaise,
tout en désaturant légèrement celles du ciel et de la mer.

Traitement dit bleach visant à donner une tonalité un peu irréelle à cette photo.

J’aurai certainement l’occasion de parler plus en détail du travail de post-production qui est devenu si important pour les photographes auxquels les techniques numériques modernes donnent une chance inespérée de pouvoir maîtriser l’ensemble de leur chaîne graphique, depuis la prise de vues jusqu'à l’impression des tirages définitifs. Pour le moment, souvenons-nous simplement qu’en règle générale, la retouche est une substance à consommer avec modération !